Nació en Buenos Aires en 1928. Pintor y dibujante, se graduó en Derecho y ejerció como abogado hasta 1976.

Luego de un viaje a Europa, en 1953, definió su vocación artística y comenzó a estudiar con Leopoldo Torres Agüero y Leopoldo Presas. En 1958 realizó su primera exposición individual en la Galería Rubbers de Buenos Aires. En 1960 fue su segunda individual en Witcomb, donde conoció a Noé, Macció y de la Vega, con quienes formaría el grupo neofigurativo al año siguiente. En la histórica primera exposición del grupo en la Galería Peuser (1961), Deira presentó su serie acerca del Holocausto. Artista de extensa cultura e interés por la historia, la filosofía y las religiones, desde sus comienzos encontró distintas metáforas para expresar su eterna problemática: el hombre. Junto al grupo, la obra de Deira recibió una inusitada y temprana repercusión. El éxito local, los viajes a Europa y Estados Unidos y las exposiciones en el exterior que se sucedieron en un lapso de solo cuatro años, dieron al grupo una perspectiva internacional. En 1963, fueron invitados a exponer en el Museo Nacional de Bellas Artes, entonces dirigido por el influyente crítico Jorge Romero Brest, quien los prologa.

Luego de la disolución del grupo en 1965, Deira pasó un año como profesor visitante en la Universidad Cornell de Estados Unidos. Al año siguiente, obtuvo el Segundo Premio de la Bienal Americana de Arte de IKA, en Córdoba, con 9 variaciones para un bastidor bien tensado, un políptico en el que desarticula la lógica de la composición proponiendo establecer distintos relatos. En 1967, la Academia Nacional de Bellas Artes le otorga el prestigioso Premio Palanza. Al año siguiente sorprende con sus Rollos desenrollados, dibujos de gran formato donde la escritura es un elemento permanentemente involucrado, unas veces como signo gráfico y otras como metalenguaje. Claramente, su opción siempre fue la pintura, disciplina que consideró su expresión genuina y desde la cual se propuso innovar forzando sus límites pero sin salirse de ellos. Razón y medida, deleite y desmesura son binomios que lo llevaron a la experimentación y a la certeza de que no todo lo que el artista produce es bello y está hecho para halagar.

A fines de los años sesenta, su obra se tornó más figurativa, con reminiscencias tanto del pop art como del surrealismo. En 1971, expuso en la Galería Carmen Waugh de Buenos Aires la serie Identificaciones, pinturas blancas sobre negro que exhibían los conflictos bélicos y la situación social de los países del Tercer Mundo. Figuras mutiladas, retratos hechos de fragmentos de personas aluden tanto a los retratos imaginarios como a la situación de violencia imperante. En 1976, año del golpe militar de la última dictadura, se trasladó a vivir en París y expuso desde entonces en importantes galerías europeas. No obstante, asiduamente presentó su obra en Buenos Aires.
Su pintura de los años ochenta expresa la armonía del color. Abundan las tonalidades intensas y vibrantes. Las figuras se duplican, se desdoblan en movimientos que recuerdan la danza. Personajes hieráticos, enigmáticos, muchos de ellos hacen referencia a la literatura. En su enlace entre arte y literatura, Deira realizó grabados y dibujos sobre el cuento La nariz de Gogol, el poema épico Gilgamesh y Pantaleón y las visitadoras de Mario Vargas Llosa.

En 1986, falleció en París. Desde entonces su obra mereció numerosas exposiciones parciales y participó de los homenajes al grupo neofigurativo. En 2006, el MNBA le dedicó una completa exposición retrospectiva.

María José Herrera

Nació en Buenos Aires en 1931. Artista autodidacta, desde los 14 años trabajó en publicidad. Dedicado a la gráfica, realizó también decoraciones y escenografías teatrales, hasta orientarse definitivamente hacia la pintura. En 1956 presentó su primera exposición en una galería porteña. Al año siguiente integró junto con Osvaldo Borda, Víctor Chab, Josefina Miguens (Robirosa), Martha Peluffo, Kazuya Sakai y Clorindo Testa la agrupación Siete pintores abstractos. También formó parte del Grupo Boa, bajo la guía del poeta y crítico Julio Llinás.

En 1961, junto a Noé, Deira y de la Vega, integra el grupo de la Nueva figuración. Caracterizan sus pinturas de este período los perfiles humanos emergiendo entre trazos, manchas, chorreados y gestos vehementes, con un tratamiento donde se unen figuración y abstracción. Telas de gran formato o el soporte circular subrayan la potencia del trazo y la distorsión formal. Hacia 1964 sus obras evidencian un cambio, manifestado en la estructura espacial y el tratamiento de la figura humana. Rostros atravesados por líneas y frentes interrumpidas por labios plasman la alienación del hombre contemporáneo.

A comienzos de los años setenta irrumpen los rostros desdoblados o superpuestos, y los espejos, creando un juego de imágenes que le permite ironizar sobre la percepción. A mediados de la década, las pinturas se caracterizan por la línea ondulada y de color, que limitan la figura humana, y por los personajes reducidos a grafismos.

La serie Arquetipos y repetición inicia su producción de los años ochenta. El título alude a un texto del historiador de las religiones Mircea Elíade, que indaga la relación entre el mito y el ritual. Los títulos de las obras La primavera, Madonna florentina, Baco y Ariadna, Pompei, entre otras, son citas que remiten a la tradición clásico-renacentista.

En 1988 presenta en la Bienal de Venecia Los inmigrantes, obra con alusiones a su historia familiar, donde presenta a un niño y sus padres en la cubierta de un buque al arribar al puerto de Buenos Aires.
En los últimos años su interés se centra en los géneros del retrato y del paisaje. El abordaje del retrato se destaca por un sujeto desdoblado, o con una imagen virtual por medio de la representación de la pantalla. Realiza además pinturas dedicadas a las grandes ciudades contemporáneas, como New York y Buenos Aires, en las que capta el vértigo y el anonimato de las urbes modernas. También dedica una serie al barrio de la Boca, espacio que tradicionalmente atrajo la mirada de numerosos pintores locales. La evocación de viajes se plasma en los rincones de ciudades italianas o en paisajes castellanos que develan su afinidad hacia Europa y la cultura grecolatina. En estas obras actuales, Macció sintetiza la constante fuerza expresiva que caracteriza más de cincuenta años de producción pictórica.
Macció alcanzó tempranamente el reconocimiento internacional, con participaciones en las bienales de San Pablo (1963) y Venecia (1962, 1968, 1988). Su obra integra el patrimonio de importantes instituciones, como el Museo Guggenheim de Nueva York, el Museo de Arte Moderno de París y el Centro de Arte Contemporáneo de Madrid.

Florencia Galesio

Nació en Buenos Aires el 26 de mayo de 1933. Su padre, Julio Noé, de origen italiano y vasco, había sido secretario ejecutivo de la Sociedad Amigos del Arte y secretario de redacción de la revista Nosotros, y posteriormente director. Desde chico le gustó mucho dibujar y tenía interés en la pintura de todas las épocas. “Veía la pintura como el punto de referencia de otras visiones, de otros mundos.” Era para él como sumergirse en una gran aventura.
En 1951 ingresó en la Facultad de Derecho a instancias de su padre, experiencia que le dejó como enseñanza “aprender a pensar”, según su propia expresión.

A los 17 años entró en el taller de Horacio Butler, al que asistirá un año y medio, continuando luego su formación como autodidacta. A partir de 1955, seguro de su vocación por la pintura, comenzó a dedicarse de lleno a ella.

De manera paralela, se inició en el periodismo en la Columna Universitaria del diario El Mundo, y abandonó la Facultad de Derecho. En 1966 cubrió la ausencia del crítico de arte del diario durante un tiempo.

En 1957 se casó con Nora Murphy, a quien había conocido como estudiante de asistencia social y de derecho. En 1960 nació su hija Paula y en 1963 su hijo Gaspar.
En 1959 comenzó a exponer de manera individual. En 1960 citó por primera vez, en el catálogo de la exposición en la Galería Van Riel, el término caos, que se instituiría desde entonces en el contexto de desarrollo de su pintura hasta el presente.

De 1961 a 1965 formó parte del grupo integrado por Ernesto Deira, Rómulo Macció y Jorge de la Vega, conocido con el nombre de Nueva figuración. Con ellos viajó a París en 1961.
En 1963 obtuvo el Premio Nacional Di Tella, que por ser una beca le permitió instalarse durante nueve meses en Nueva York, en 1964, ciudad a la que retornó a fines de 1965, y donde vivió hasta 1968, ya que dos veces obtuvo la Beca Guggenheim. Allí realizó varias instalaciones utilizando el concepto del caos como estructura.

Durante su estada en Buenos Aires en 1965, realizó la exposición Noé + Experiencias colectivas, en el Museo de Arte Moderno, paradigmática exposición en su carrera, a la que había invitado a varios artistas a participar, entre ellos a Deira y de la Vega. Macció se encontraba en Europa.

En 1966 tomó la decisión de dejar la pintura, que retomó en 1975. Sin embargo, ese año y los dos siguientes trabajó con espejos planos y cóncavos.
A su regreso a Buenos Aires, presentó la exposición Liquidación por cambio de ramo. Saldos. Simultáneamente, tuvo la iniciativa de abrir un bar con algunos amigos.
En 1976, producido el golpe militar, partió a París, donde vivirá hasta 1987.
En 1984 participó de la Bienal de La Habana (Cuba) y en 1995 realizó una exposición retrospectiva en el Museo Nacional de Bellas Artes, la que en gran parte fue trasladada al año siguiente a la ciudad de México para ser exhibida en el Palacio Nacional de Bellas Artes.
En 1994, luego de veintiocho años, volvió a producir una instalación: Instauración institucional, exhibiéndola en el Museo Nacional de Bellas Artes.

De manera paralela a su tarea como artista, Noé siempre escribió, en especial en torno a la pintura y el arte, en su relación con la historia fáctica, política y filosófica. Ha publicado Antiestética (1988), Una sociedad colonial avanzada (1971), Recontrapoder (1974), A Oriente por Occidente (1992), El otro, la otra y la otredad (1994). En coautoría: El arte en cuestión (2000) con Horacio Zabala, Cuerpos pintados por Noé (2003) con fotografías de Roberto Edwards, y Las aventuras de Recontrapoder (2003) con Nahuel Rando. Más tarde, Wittgenstein: este es el caso (2005) y Noescritos sobre eso que se llama arte (2007).
Entre otras distinciones, ha obtenido el premio Konex Brillante 2002, el Gran Premio del Fondo Nacional de las Artes en 1997, el Premio Homenaje Banco Central en 2009. En 2007 fue declarado “ciudadano ilustre” por la ciudad de Buenos Aires y en 2009 fue el representante argentino en la 53ª Bienal de Venecia.

Mercedes Casanegra

Nació en Buenos Aires el 27 de marzo de 1930 y falleció en la misma ciudad el 26 de agosto de 1971.

Artista visual, compositor, cantante. En 1951, presentó su primera muestra individual. Audidacta, admiraba entonces a los artistas del grupo de París y pintaba retratos y naturalezas muertas.
En los años siguientes inició un proceso que lo conduciría hacia la abstración y la geometría. Hasta 1960, participó en numerosas muestras colectivas que reunían a la nueva generación de pintores no figurativos. Al mismo tiempo trabajaba como perspectivista para estudios de arquitectura como Rivarola y Soto y Mario Roberto Álvarez y asociados.

Entre 1961 y 1965 integró el grupo de la Nueva figuración, junto con Deira, Macció y Noé, con quienes compartió exposiciones, viajes y presentaciones en premios nacionales e internacionales (Di Tella, Guggenheim). De esta etapa son sus Formas liberadas (1962), en las que rompe el soporte tradicional de la pintura, y su serie Bestiario o Los monstruos (1963-1966), momumentales bricolages con figuras de animales fantásticos que se replican en espejos deformantes.

Entre 1965 y 1967, vivió en Nueva York y fue docente en la Cornell University. En este período renovó su iconografía e incorporó otras técnicas –la pintura acrílica, el esténcil, las fibras–. Sus series de pinturas psicodélicas y sus blancos y negros (1966-1971) han sido tradicionalmente vinculadas por la crítica al pop neoyorquino.

A partir de 1968, dio impulso a su carrera como cantautor. Grabó su long play El gusanito en persona, que presentó en la Galería Bonino. Como integrante del movimiento de la Nueva canción argentina compartió el escenario con Nacha Guevara, Carlos del Peral, Marikena Monti y Jorge Schussheim.
Pinturas y canciones conformaron su muestra en la Galería Carmen Waugh en 1970, donde presentó su emblemático Rompecabezas, de 30 telas, junto con un recital, que ofrecía tres veces a la semana en un escenario colocado frente a las obras.
Fue su última exposición, falleció en la entrada de Canal 7 luego de grabar un reportaje, cuando tenía 41 años.
El MNBA lo recordó con una retrospectiva en 1976.

Tras la publicación del primer libro monográfico dedicado a su obra (M. Casanegra, 1991), se sucedieron las muestras antológicas: Centro Cultural Borges (1995), Fundación Arte y Tecnología, Madrid (1996), Malba-Colección Costantini (2003). Esta última coincidió con la publicación de su segundo libro monográfico (Marcelo E. Pacheco, 2003).

Un renovado interés se expresa en estas revisiones y lecturas. “La contemporaneidad de sus trabajos se impone en el contexto de los cambios que la cultura visual y el campo artístico han experimentado en los últimos años. Es la posmodernidad la que genera nuevas posibilidades de recepción para este artista” (M. Pacheco, 2003).

Sus obras integran colecciones públicas y privadas de nuestro país y del exterior,
entre otras las del MNBA, el Museo de Arte Moderno de Buenos Aires, el Malba-Colección Costantini en Buenos Aires, el Solomon R. Guggenheim Museum de Nueva York, el Jack S. Blanton Museum of Art de Austin, el Museo de Arte Moderno de Río de Janeiro, la Fundación Capriles Arte Latinoamericano de Caracas y el Museo Nacional de Artes Plásticas y Visuales de Montevideo.

María Torres